Equilibrium

Das Wichtigste gleich vorweg: Ich kenne das Original mit Hauer nicht. Das kann von Nachteil, aber auch von Vorteil sein. Storytechnisch sollen aber ja beide – so ist es mir zu Ohren gekommen – nahezu identisch sein. Rutger Hauer ist ein klasse Mann, keine Frage. Aber kommt er gegen einen Sean Bean an, dessen Charisma Berge versetzen könnte? Ich weiß es noch nicht, das Original wird aber bei Gelegenheit (ja, ich weiß, das sage ich immer) nachgeholt. Es ist nicht schwer, selbst ohne Kenntnis des Originals, zu bemerken, dass der Stoff ins neue Jahrtausend geholt wurde.

Schon zu Beginn wird klar gemacht, dass es sich hierbei um einen bösen Film handelt, der selbst vor unschuldigen Kaninchen und Libellen keinen Halt macht. Vor Menschen – und seinen sie noch so attraktiv – gleich zwei Mal nicht! Was folgt ist das Musterrezept des (Teen-)Horrorfilms des 21. Jahrhunderts: Ein Pärchen, beide gut aussehend, ein Psycho, ein wenig Splatter (wobei dessen Einsatz hier bisweilen gewaltig ist) und ein Finale, das man so schon mindestens tausend Mal gesehen hat.

“I want you to say four little words: I… Want… To… Die"

Ach ja, die Dialoge. Die besten kennt man ja schon aus dem Trailer, auf Grund derer ich auch erst so richtig Lust auf den Film bekommen habe. Ich meine, geht es noch dämlicher? Warum ist der Film dann trotzdem noch recht gut ansehbar und unterhaltsam? Richtig, es sind genau diese Dialoge, die so dämlich sind, dass es schon wieder lustig ist. Hinzu kommt natürlich die hübsch anzusehende Sophia Bush, wer hätt’s gedacht? Sean Bean halte ich für einen begnadeten Schauspieler, auch wenn er sich auf solch niedriges Niveau herab begibt und nur selten nicht am overacting vorbeischlittert.

Froh sein muss man in diesen Zeiten ja auch, wenn es einen Horrorstreifen gibt, der mal kein PG-13-Rating besitzt, sondern noch ordentlich auf den Putz haut, so wie es THE HITCHER tut. Natürlich reizt auch der Name Michael Bay, der hier als ausführender Produzent agierte, und dessen Optik omnipräsent ist. Nettes Teil für Zwischendurch, schön kurz, irgendwo zwischen Hochglanztrash und overacting, mit schönen Splattereinlagen und massig eyecandy. Für Genrefans aber ein Muss.

(6-7/10)

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Hmm, nee, das war wirklich nix. Van Damme, Militär, Terroristen, Action – klingt eigentlich gut, ist es hier aber nicht. Darsteller und Dramaturgie sind allerhöchstens auf TV-Niveau, auch die Effekte können nur teilweise überzeugen. Von den unzähligen Logik- und Technikfehlern und der grässlichen Optik ganz zu schweigen. Die Story passt natürlich auf einen Bierdeckel: In Moldawien versuchen Putschisten den Präsidenten zu ermorden, der flüchtet schnell in die US-Botschaft und bekommt Asyl. Die bösen Jungs greifen die Botschaft an, Punkt. Zur Sache geht es dabei ziemlich blutlos, auch die Inszenierung kommt lustlos daher. Alles in allem mehr schlecht als recht und ziemlich öde. Aber das ist wohl die ungeschriebene Gesetzmäßigkeit von Van Dammes DTVs. Dann wohl lieber mal WAKE OF DEATH.

(4/10)

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Beim Filmstöckchen der Film gewesen, den ich schon immer sehen wollte, bisher aber noch nicht dazu gekommen bin. Was liegt da also näher als dies endlich zu ändern? Und der Film hält, was er verspricht. Zumindest für die erste Stunde. Der legendäre Angriff auf das vietnamesische Dorf, begleitet von Wagners Walkürenritt – ich könnte mit den Superlativen nur so um mich werfen, aber schlicht und ergreifend fehlen mir während dieser Szene die Worte. Ein absolutes Highlight, eine der größten Szenen der Filmgeschichte. Der Angriff ist zugleich wunderschön in Szene gesetzt, als auch deutlicher als deutlich in seiner Prämisse. Der Krieg ist hässlich, Menschen entwickeln einen Gottkomplex (der Hammer: Robert Duvall) und Menschlichkeit ist ein Fremdwort.

Bis dahin ist Captain Willard (Martin Sheen) die einzige Identifikationsfigur des Filmes. Dies ändert sich aber schlagartig, als er einen verwundeten Zivilisten eiskalt erschießt. Und endgültig fehlt dem Zuschauer jedwede Figur der Identifikation. Der Krieg ist eben grausam, es gibt keine Guten und keine Bösen.

Neben bereits genannter Szene werden aber wohl auch noch einige andere Dinge für immer im Gedächtnis bleiben. Martin Sheen beispielsweise. So jung habe ich ihn nie gesehen, in manchen Einstellungen dachte ich, nicht ihn, sondern Charlie zu sehen – jener Charlie, der sieben Jahre später seine Unschuld verlieren sollte. Der Film markiert wohl die Rolle seines Lebens, denn besser habe ich ihn nie gesehen. Vom immensen Staraufgebot, welches APOCALYPSE NOW auffährt, ganz zu schweigen. Das ist es aber auch, was Coppolas Film für mich darstellt – er ist in erster Linie großartiges Schauspielerkino, nur in zweiter Instanz ist er Antikriegsfilm. Denn was nach dem Angriff auf das Dorf passiert ist leicht träge, um nicht zu sagen zäh.

Vielleicht liegt es auch am Redux, dessen Vorlage ich hier bespreche, aber allein die Szene im französischen „Restaurant“ hätte länger nicht sein können. Spannung wird nur noch zum Schluss aufgebaut, wobei auch dieses in erster Linie ein Psychoduell zwischen Kurt (Marlon Brando) und Willard ist.

Ein weiterer Netzhautbrenner hier übrigens die Szene, in der Willard mit massig Schlamm im Gesicht aus dem Wasser auftaucht. Ich dachte, jemand hätte heimlich PREDATOR in den Film geschnitten, erst dann realisierte ich, dass McTiernan Coppola hier enorm huldigt. Die Schrecken des Krieges werden gezeigt, ja. Bisweilen sogar ziemlich drastisch. Es mangelt dem Ganzen aber an einem ausgewogenen Spannungsbogen und einem ordentlichen Zeitmanagement, leider. Darin liegt wohl auch die Begründung, warum ich PLATOON deshalb nach wie vor für den besten Antikriegsfilm halte. Okay, er ist bei weitem pathetischer als APOCALYPSE NOW, aber es mangelt ihm eben nicht an genannten Qualitäten. Die Schrecken des Krieges zeigt er dabei mindestens genauso deutlich, wenn nicht sogar noch eine Stufe deutlicher (die ermordete Frau, der Einsatz des Gewehrkolbens).

Zu Recht ein Klassiker, aber nicht ganz so gut wie erhofft. Vielleicht waren aber auch nur mal wieder die Erwartungen zu hoch, wie eben so oft. Ich bin mir der Tatsache durchaus bewusst, dass es einer Schande gleicht, den Film erst jetzt, ganze 28 Jahre später, gesehen zu haben, aber es macht auch immer wieder Spaß, mit einer anderen Rezeptionshaltung an die Filme zu treten, denn ohne diese wäre mir wahrscheinlich so einiges Genanntes entgangen.

(8/10)

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Mein erster Boyle. Ein voller Erfolg. SUNSHINE ist ein audiovisueller Kracher. Auch storytechnisch muss sich der Film nicht verstecken, auch wenn er mit Beginn der Horrorsequenz leider etwas abbaut. Bis dahin sind die Bilder aber gigantisch, erst recht in Verbindung mit dem Erlebnis einer großen Leinwand und dem feinen Klang eines Kinosaals (auf DVD sollte der DTS-Track obligatorisch sein!). Zu verdanken hat SUNSHINE das Ganze nicht zuletzt auch seinem wirklich tollen Soundtrack, der irgendwo zwischen DAS BOOT und BLADE RUNNER einzuordnen ist. Doch auch die Handlung weist gewisse Parallelen auf. So bekommt man Kollegen wie EVENT HORIZON oder MISSION TO MARS einfach nicht aus dem Kopf, auch wenn ich Genannte für ziemliche Gurken halte. Mit SUNSHINE verhält es sich genau andersrum.

Zwar ist die zweite Hälfte – inklusive etwas zu lang geratenem Ende – nicht schlecht, aber ein gewisses Déjà vu bleibt nicht aus. Dieses heißt THE TIME MACHINE und ist in der ersten Hälfte topp, in der zweiten eher ein Flop. Es sind die Musik und die Bilder, die begeistern, die Actionlastige zweite Hälfte, die alles dann abwertet.

Ganz so schlimm verhält es sich hier dann aber glücklicherweise nicht, denn auch als Gesamtes kann SUNSHINE überzeugen. Für mich am ehesten wohl ein Fall von style over substance, auch wenn es mir schwer fällt, diesen Begriff hier zu verwenden. Hinzu kommt dann noch der ein oder andere Stereotyp (der Offizier, der nicht sterben will, sondern lieber die anderen opfert), den man leider auch nicht ignorieren kann. Aber hey, was ist schon perfekt? Ein toller Film, dessen Audiovisuelles noch lange im Gedächtnis bleiben wird. Ich könnte das Ganze zwar gut und gerne noch weiter ausführen, aber ohne zu Spoilern wäre dies ein schweres Unterfangen. Ach ja, vielleicht kann man noch erwähnen, dass Cilian Murphy immer komischer aussieht und es schön war, gleich drei Asiaten an Bord begrüßen zu dürfen.

28 DAYS LATER und 28 WEEKS LATER (aber auch weitere Boyles, allen voran TRAINSPOTTING [ja, ich schäme mich, diesen noch nicht gesehen zu haben]) können gerne kommen – wobei ich in SUNSHINE ja schon eine Kostprobe von den beiden bekommen habe…

(8/10)

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Hatte von vornherein eigentlich keine große Lust auf den dritten Teil. Eines Freundes sei Dank, durfte ich aber dennoch in den Genuss des dritten Abenteuers der Spinne kommen. Und sind wir doch mal ehrlich: Wer schaut denn bitteschön die ersten beiden Teile einer Trilogie und lässt den finalen weg? Meine Vorurteile gegenüber SPIDER-MAN 3 wurden dann aber auch nahezu alle bestätigt. Der Film besitzt die übliche Fortsetzungsrezeptur, ist höher, schneller und weiter. Mit gleich drei (vier, zählt man die schwarze Masse mit) Bösewichtern bekommt es Peter (Tobey Maguire) alias Spider-Man hier zu tun. Die Actionszenen versuchen dabei stets alles bisher da gewesene zu überbieten und dem Ganzen noch eines draufzusetzen. Das gelingt mit unter aber auch recht gut – SPIDER-MAN 3 ist ja schließlich auch ein feiner Popcornfilm.

Dass das Zwischenmenschliche so "kurz" kommt, hätte ich nicht gedacht. Es überrascht mich positiv, denn auch wenn ich nichts gegen massiges Pathos habe, so wurde diese Thematik im Zweiten meiner Meinung genügend ausgeführt. Die Emotionen und der innere Kampf Peters stehen im Mittelpunkt, ja. Aber wenn die Action einmal losbricht, dann ist das alles in Windeseile schon wieder vergessen. Die Highlights des Filmes bleiben jedoch in Erinnerung: Seien es die Gastauftritte Stan Lees und Bruce Campbells (herrlich!) oder der etwas andere Peter Parker. Letzterer übrigens eine sehr erfrischende und gelungene Abwechslung zum immerwährenden, gleich von statten gehenden inneren Kampf.

Kein schlechter Film, aber auch kein besonders guter. Ein würdiger Abschluss der Trilogie? Nein, eher nicht. Teil eins und zwei sind besser. Es ist einfach immer wieder die gleiche Rezeptur des Sequels. Dass diese ein Sam Raimi nötig hat, hätte ich aber nicht unbedingt erwartet. Für einen Freitagabend mit Freund(en) aber ein durchaus nettes Unterhaltungsfilmchen.

(7/10)

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Endlich gesehen! MY NEIGHBOR TOTORO markiert gleichzeitig auch meinen ersten Ghibli. Eine Schande, ich weiß. Aber wie heißt es doch so schön? Besser zu spät als nie. Für diese Gelegenheit nehme ich dann auch gerne mal die Synchronfassung in Kauf, welche meiner Meinung gar nicht so schlecht ist. Die Kleine klingt zuckersüß, sodass sich wohl auch der größte Griesgram solch eine Tochter wünscht. Sowieso, die Kleinen stehen hier im Mittelpunkt – die kleine Mei, ihre Schwester und die kleinen Totoros. Das große war zwar auch ganz nett, aber dessen kleiner Nachwuchs (?) ist einfach hundertmal süßer. Süß ist wohl auch das Stichwort des Filmes, manchmal auch zu süß. Aber hey, kleine Kinder toben und hüpfen nun mal den ganzen Tag so herum.

Und dennoch: Zu vollen einhundert Prozent hat er mich dann doch nicht überzeugt – wohl eher zu neunzig Prozent. Leider hielt es Super RTL für nötig, den kompletten Vorspann zu kappen, und auch die Werbepausen sind für solch einen Film natürlich tödlich. Ich denke aber auch, dass MY NEIGHBOR TOTORO mit erneuter/n Sichtung/en einiges an Wirkung zulegt, erst recht mit dem japanischen O-Ton. Einige der Magic Moments noch einmal Revue passieren zu lassen, wäre dabei natürlich das Größte. Allen voran die Szene an der Bushaltestelle (welche m.M. jedoch durch den hässlichen Katzenbus etwas zerstört wurde) oder das Sitzen in der Baumkrone bleiben dabei in Erinnerung. Von den wunderschön gezeichneten Bildern Miyazakis ganz zu schweigen.

Letztlich bin ich bei alledem aber dennoch ein wenig traurig. Nein, nicht wegen des Filmes (was ich mir gewünscht hätte), sondern wegen der Tatsache, dass er für mich (bisher noch) kein absolutes Meisterwerk ist. Es ist wie bei so vielen anderen Filmen auch, man hört ständig nur von Meisterwerken, ganz großem Kino etc. pp., und dann kann man diese Meinung nicht teilen. Ja, die Erwartungen waren sehr, sehr groß. Wurden sie erfüllt? Ja, größtenteils. Aber was soll ich mich auch anderen ergeben? Wenn er für mich kein Meisterwerk ist, dann ist er das eben nicht. Punkt. Auf die nächsten Ghiblis freue ich mich aber dennoch riesig, erst recht auf eine erneute Begegnung mit Totoro. Ein wirklich wunderschöner Film.

(8-9/10)

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Mein erster Gedanke: Hey, bei Elisha Cuthbert und Camilla Belle kann doch eigentlich nichts schief gehen, oder? Richtig, es ging so gut wie auch nichts falsch. Beide "genießen" kann man aber nicht, denn dafür ist die Thematik (es geht um Missbrauch und Inzest) einfach zu heikel und belastend. Elisha hat hier gezeigt – entgegen ihrer Rolle in 24 (was ja aber auch Rollenbedingt war) -, dass sie doch zur Schauspielerin taugt. Richtig überrascht war ich aber von Camilla Belle, die nach dem Flop WHEN A STRANGER CALLS auch mal zeigen darf, was sie kann. In erster Linie also gutes Schauspielkino des hollywoodschen Nachwuchses. Das einzige, das nicht so gefällt, ist die Tatsache, dass das Ganze irgendwie zu stark zugeschnitten auf die MTV-Generation wirkt. Ja, auch diese sollen mit der Thematik konfrontiert werden, sind sie es doch, um die es hier geht.

Ein kleiner Nachgeschmack bleibt dabei jedoch, denn so scheint THE QUIET in gewisser Weise zu verharmlosen. Diesen Gedanken kann ich einfach nicht loswerden. Ein bisschen scheint es sich wie mit WILD THINGS zu verhalten: In erster Linie befasst er sich mit einem ernst zunehmenden Thema, welches der Unterhaltung letztlich aber weichen muss. Und trotzdem unterstelle ich Regisseurin Jamie Babbit nur gute Absichten. Wenn ich aber die grenzdebilen Spielchen und Intrigen der Teens sehe, die hochgestylten Möchtegern Starlets, dann wird der Aufklärungsfaktor meiner Meinung geglättet, bei ALPHA DOG verhält es sich ebenso. THE QUIET ist trotzdem ein guter Film, voller Spannung und mit diesem melancholischen Unterton, der perfekt rüberkommt. Als aufmerksamer und denkender Rezipient macht man sich aber nun mal den ein oder anderen Gedanken…

(7/10)

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Auch wenn es mir etwas schwer fällt, es zu sagen, aber SHALL WE DANCE? geht richtig schön ans Herz. Die Figuren sind toll, die Darsteller ebenfalls, die Geschichte auf bestem RomCom-Niveau (wenn man den Film überhaupt als solche bezeichnen kann). Richtig Lust zu Tanzen hat er (mir) zwar nicht gemacht, aber die Botschaft ist klar und schön. SHALL WE DANCE? geht es aber nicht nur ums Tanzen – vielmehr ist er ein Statement gegen Ignoranz und Vorurteile in Hinsicht auf den (negativen) Ruf des Tanzens im Land der aufgehenden Sonne. Zur Kritik gibt es somit eigentlich kaum bis keinerlei Anlass. Die ernsteren Szenen werden immer wider durch lustige abgelöst, die Mischung aus beidem stimmt somit. Ich kenne das hollywoodsche Remake zwar nicht, will ich aber auch nicht. Ich glaube nämlich kaum, dass das Gere- und Lopez-Vehikel auch nur ansatzweise an das schöne Original herankommt.

(7-8/10)

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Schon seit Jahren im Regal, gestern dann endlich mal in den Player geworfen. Clive Owen sehe ich immer sehr gerne und seit ich jede Mittagspause vom Campus in die Stadt laufe und am Parfumladen immer wider sein Gesicht zu dem neuesten Parfum von Lancôme sehe (der Werbespot ist übrigens von WKW), bekomme ich sogar Lust, dieses mal zu testen. In CROUPIER spielt Owen – wie der Titel schon vermuten lässt – einen Croupier, der solch einer eigentlich gar nicht sein will. Im Casino geboren und vom spielsüchtigen Vater geprägt, will der Schriftsteller lieber an seiner Novelle arbeiten. Blöd nur, dass er dringend Geld benötigt, und so nimmt er den Job im Casino schließlich an. Er macht seine Sache gut, als Croupier im Film und als Darsteller. In erster Linie ist der Film ein Paradebeispiel dafür, wie gut Owen doch ist. Besonders dieser nachdenkliche Typus ist wie für ihn gemacht.

Storytechnisch liegt das Ganze irgendwo zwischen (Neo-)Noir, Thriller und Spielerdrama. Die Welt der Spieler ist eine dunkle (was Owen im Interview in den Extras nochmals betont), keiner will verlieren, alle suchen sie das Glück. Die wenigsten finden es – zumindest auf "legale" Weise. Auch Jack (Owen) kann dieser Sucht, diesem Verlangen nicht allzu lang widerstehen. So ist CROUPIER in erster Linie eine intensive Milieustudie, nicht nur über erfolglose Spieler, Dealer und Besitzer, sondern auch über den Schaffensprozess und das Dasein eines Schriftstellers. Falsche Freunde und strenge Regeln werden dabei ebenso weniger ausgeklammert wie kaputte Beziehungen und die Frage nach der Moral.

Stilistisch ist Mike Hodges Film ebenfalls auf hohem Niveau: diese große Lethargie, welche sich durch den kompletten Film erstreckt, die tolle Inszenierung und der autarke Erzähler aus dem Off sorgen für diese ganz besondere Atmosphäre, wie man sie heute nur noch selten zu sehen bekommt. Wen die Atmosphäre der Spieler und Casinos schon immer begeistert hat, der hat mit CROUPIER seinen Film gefunden.

(7/10)

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Wieder so ein Film, bei dem ich mich frage, warum ich den erst jetzt, ganze 13 Jahre später, zu sehen bekomme. Naja, bin ja selbst schuld, zumal ich schon mehr als nur ein Mal ausschließlich Positives über CLERKS. gehört habe. Dank Play.com und deren toller Aktion habe ich dann endlich mal zugeschlagen und mir das grandiose 3er-Set geholt. Und schon als ich mich durch die Extras wühle, stelle ich fest, dass die Scheibe jeden einzelnen Cent wert ist! Smiths Humor gehört einfach zu dem besten, was es da draußen gibt, und so ist es auch keine Überraschung, dass mir der Film auf ganzer Linie zugesagt hat. Die Dialoge sind teilweise zum wegschmeißen ("37! My girlfriend's sucked 37 dicks! – In a row?"), die Situationskomik könnte besser nicht sein. Absolutes Highlight, bei dem ich auf Grund von akuter Lachmuskelüberforderung kurzerhand auf den Pauseknopf drücken musste: Randal (Jeff Anderson) bestellt schätzungsweise ein halbes Dutzend Pornos in Gegenwart der Mutter mit kleinem Kind.

Leider hält der Film das hohe Tempo, das er zu Beginn des Filmes vorlegt, aber nicht über die ganze Spielfilmdauer. Gerade auch was die Gagdichte betrifft. Diese Tatsache tut dem ganzen aber so gut wie keinen Abbruch, denn aberwitzig bleibt das Ganze dennoch. Die beiden Hauptdarsteller versprühen einen Charme und Witz, dem man so gut wie gar nicht widerstehen kann. Dabei zeigen sie gleichzeitig auch ein großes darstellerisches Talent. Bei alledem fällt es aber nur noch schwerer zu glauben, dass Smith das ganze mit den Kreditkarten seiner Freunde und Verwandten finanziert hat. Neben THE BLAIR WITCH PROJECT wohl das beste Beispiel dafür, dass Qualität nicht immer an ein großes Budget gekoppelt sein muss (ja, wirklich, Herr Petersen). Wenn CLERKS II auf diesem hohen Niveau fortfährt und dem Original nicht auf den Schlips tritt, dann muss der wohl oder übel sofort her.

Dass der Film wohl noch mehrerer Male gesichtet wird, ist dabei wohl ebenso sicher, wie das Amen in der Kirche. Auf die weiteren Extras mit Smith, Mosier und Co. freue ich mich ebenso. Jetzt muss aber auch unbedingt mal das restliche Oeuvre Smiths nachgeholt werden, und auch den mir schon ach so oft empfohlene SModcast sollte ich mir mal zu Gemüte führen.

(8-9/10)

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