Equilibrium

Was wurde nicht wieder für ein großes Geheimnis um einen Film gemacht, der letztlich doch nur ein einziger großer Sommerblockbuster ist. Nach Cloverfield hat sich J.J. Abrams an ein weiteres im wahrsten Sinne des Wortes Monsterprojekt gewagt – dieses Mal sogar als Regisseur und nicht nur als Produzent. Der Mann im Hintergrund war dieses Mal Steven Spielberg, dessen Einfluss auf das Projekt aber deutlich sichtbar über die Grenzen des reinen Produzierens hinausgeht – Poltergeist lässt grüßen. Sowohl Letzterer als auch Cloverfield sind gute Einwürfe, um Super 8 einzuordnen. Denn eines gleich vorweg: Super 8 ist bei weitem nicht der Monster-Film, zu dem er im Vorfeld hochstilisiert wurde. Sicher, das Marketing hat einmal mehr funktioniert und den Kinogänger vielleicht sogar absichtlich mit falschen Erwartungen gelockt. All die Vermutungen, seien es nun Area 51 oder Roswell, führen ins Leere, denn Super 8 ist zu allererst ein Coming-of-Age-Film über das Erwachsenwerden in Suburbia und die Liebe und Hingabe zum Film. Und dennoch trägt er – ähnliche wie in Monsters – einen Monsterfilm-Anstrich, der ihm besonders gut steht.

J.J. Abrams' Blockbuster weiß von der ersten Sekunde an zu gefallen, ist der Film doch in einen schicken Retro-Look getaucht, der die 70er Jahre wiederaufleben lässt, ohne forciert oder kopiert zu wirken. In den Zimmern der Jungs (u.a. Joel Courtney, Ryan Lee und Riley Griffiths) finden sich Poster zu Klassikern von Carpenter und Romero, sowie Lucas' großer Sternensaga, die erst vor zwei Jahren in den Kinos zu sehen war. Man bemerkt schnell, dass den Jungs diese Filme am Herzen liegen. Sie wollen etwas großes schaffen und sind dabei vom Zeitgeist beeinflusst, weshalb sie unbedingt einen Zombiefilm drehen wollen. Auch hier hat Super 8 eine Natürlichkeit und Ungezwungenheit inne, die vielen period pieces völlig abgeht. Natürlich besteht auch die Jungs-Gang aus den klassischen Typen: Da ist zum einen der schüchterne Schönling, der feiste Anführer und der nerdige Sidekick, der sich als Special-Effects-Mann etablieren möchte und für das comic relief des Films verantwortlich ist. Und dennoch schließt man die Jungs umgehend ins Herz, auch, weil sie im tristen Vorstadtleben das beste aus ihrer Situation zu machen scheinen – schließlich steht der Sommer vor der Tür.

Es ist das Zombie-Projekt der Jungs, das nicht nur als Film-im-Film-Gimmick dient, sondern vielmehr eine Mise en abyme darstellt, mit der Abrams und Spielberg ihre Liebe nicht nur zu diesem Projekt, sondern auch zu ihren Filmen generell unterstreichen. Allen voran natürlich Spielberg, dessen Filmografie mindestens drei Mal so lang ist wie die von Abrams. Super 8 ist nämlich schlichtweg ein einziges, ellenlanges Spielberg-Selbstzitat, bei dem Abrams lediglich für die Lensflares verantwortlich zeichnet, die es wieder mal zuhauf gibt, die hier aber erstaunlich gut platziert sind. So gibt es in Super 8 dann auch alle typischen Spielberg-Topoi: die gebrochene Vaterfigur, den Familienkonflikt, die Initiationsgeschichte, die Bedrohung von Außen, sowie – natürlich – die Interaktion mit dem Alien. Dieses ist leider ziemlich unästhetisch geworden, was man nach dem tollen Creature-Design in Cloverfield so nicht erwartet hätte. Aber sei's drum, schließlich ist das Alien sowieso nicht allzu häufig zu sehen und ohnehin nur Mittel zum Zweck, wenn auch kein wirklicher MacGuffin. Der größte Star des Filmes ist nämlich jemand ganz anderes.

Super 8 ist Elle Fannings Film, dominiert die 13-Jährige doch jede Szenen, in der sie zu sehen ist. Dabei ist es nicht nur das große Schauspieltalent, mit dem der Teenager gesegnet ist (und von dem man hoffentlich noch mehr sehen wird), sondern auch die Rolle, die man ihr auf den Leib geschrieben hat. Die Geschichte zwischen ihr und Hauptdarsteller Joel Courtney ist herzerwärmend und fügt sich fantastisch in den Rest der Geschichte ein. Sie ist von einer unbeschwerte, unprätentiösen Leichtigkeit geprägt, die das heutige Hollywoodkino nur noch selten erblicken lässt. Super 8 zeigt hier einmal mehr, dass er ein Film über die Liebe ist – die Liebe zu anderen, sowie die Liebe zum Film (und stets auch ein Film über Nächstenliebe). Bei all den Gefühlen dringt in Super 8 aber immer wieder auch der Blockbuster durch. Beispielsweise wenn der Zug entgleist – dem Highlight des Filmes – und wir Zeuge eines Crashs werden, der seinesgleichen sucht. Auch wenn die Effekte vor allem für ILM-Verhältnisse alles andere als State of the Art sind, gehört der Traincrash zu den besten action set pieces, die ich im jüngeren Blockbusterkino bisher gesehen habe. Das ist pures eye und ear candy (Ohropax nicht vergessen!). Und ein schöner Gegensatz zum 'praktischen' Filmemachen der Jungsclique, in dem so viel Herzblut steckt.

Es gibt kaum etwas an Super 8, das einem nicht gleich sympathisch ist. Seien es nun die tollen Darsteller (Noah Emmerich als fieser Kommandeur sollte ebenfalls erwähnt werden), das perfekte Timing oder die einfühlsame Geschichte – Abrams' und Spielbergs Kollaboration ist wundervolles Retro-Kino, das auf ein modernes Kinopublikum ausgerichtet ist und dabei nur selten Zugeständnisse macht. So darf das Sommer-Blockbusterkino auch für Erwachsene gerne öfter aussehen. (8.5/10)

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Spielberg scheint derzeit ja ziemlich fleißig zu sein, denn neben The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn (der mir Jacke wie Hose ist), bringt er dieses Jahr – bei uns erst im nächsten Jahr zu sehen – auch noch War Horse raus, dessen erster Trailer heute erschienen ist (480p/720p/1080p). Sieht nach Oscarmaterial aus, wie es im Buche steht, wobei einige Aufnahmen durchaus ansehnlich sind – wie das Pferd durch den Schützengraben rennt, beispielsweise. Habe es ohnehin nicht so mit Tierfilmen, wobei abzuwarten sein wird, welchen Part der Erste Weltkrieg spielt. Unser deutscher Nachwuchsstar David Kross ist übrigens auch mit von der Partie. Deutscher Start ist am 05. Januar 2012.

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Patrick Dempsey erzählt welch tolle Eigenschaften sein Oldtimer hat, dass er doch so schön glänze und poliert sei, und vor allem wunderschöne Rundungen habe. Er ist während er diese Worte spricht nicht im Bild zu sehen – auch das Auto, von dem er schwärmt, ist nicht komplett zu sehen, wobei doch beim Cinemascope-Format genug Platz dafür wäre. Die Kamera konzentriert sich nämlich auf Rosie Huntington-Whiteley, ein Victoria's-Secret-Model, das im weißen Kleid neben dem Auto steht. Mit ihren Traummaßen muss sie dabei auch nicht viel mehr machen als interessiert das Auto anzuschauen, zu dem Transformers: Dark of the Moon eine recht platte Analogie zieht. In dieser Szene führt Michael Bay das zusammen, was für ihn zusammen gehört: Schnelle Autos und hübsche Frauen. Fehlt eigentlich nur noch, dass man im Hintergrund noch ein Helikopter sieht, dann wären alle Dinge in einem Bild versammelt, die Bays Weltbild definieren. In der Welt Michael Bays sind hübsche Frauen etwas, das an die Seite von männlichen Helden gehört, die ihre Männlichkeit ständig unter Beweis stellen. Jeder wundert sich, warum solch eine Frau mit einem Greenhorn wie Sam (Shia LaBeouf) liiert ist. Doch sie werden es nie verstehen, denn sie tun nicht das, was Sam getan hat und im zweiten Sequel auch erneut tut: nämlich für die Freiheit und die Menschen kämpfen, die ihm etwas bedeuten – da spielen auch Geld oder Macht keine Rolle.

Bay vollzieht mit der Figur Carlys so etwas wie eine kleine Richtungsänderung, denn nach dem Abgang von Megan Fox präsentiert er uns nicht etwa einen Megan-Fox-Klon, sondern gleich einen vollkommen anderen Typ Frau. Megan Fox, die ihr schlampiges Image einfach nicht los wird und in den ersten beiden Filmen Ahnung von Dingen hatte, die sonst eigentlich nur Männer verstehen (zumindest in Bays Kosmos), wurde durch ein Unterwäschemodel ersetzt, das schon mehrere Male zur sexiesten Frau gewählt wurde, und von Sam nicht umsonst Engel genannt wird. Huntington-Whiteley macht in der Tat in jeder Szene eine gute Figur – weniger, weil sie eine gute Schauspielerin ist (wobei es für Fox noch locker reicht), sondern vielmehr aufgrund ihrer Optik, die konträrer zu Fox' nicht sein könnte. Natürlich wirkt das in nahezu jeder Szene unglaublich chauvinistisch, aber Bay macht daraus auch gar keinen Hehl. Und letztlich meint er es auch nur gut, denn Sam ist wie Bay ein Gentleman, der für seine Frau alles tun würde – und wenn er dabei in den sicheren Tod rennt. Die ganze Inszenierung Huntington-Whiteleys scheint auf den ersten Blick pubertär zu sein, ist aber letztlich doch nur ehrlich von Bay gemeint, denn welcher Mann will keine Frau an seiner Seite haben, vor der alle anderen vor Neid erblassen? Bays Figurenzeichnung ist somit nur ein Abbild unserer Leistungsgesellschaft, die Frauen wie Carly mit zum Begehrenswertesten erheben, was es auf der Welt nur gibt. Dito schnelle Sportwagen wie der Mercedes SLS, den sie im Film fahren darf und der ebenso erotisch inszeniert wird wie Huntington-Whiteley.

Ich rechne es Bay somit schon wieder hoch an, dass er einfach die Eier in der Hose hat, das in seine Filme zu transportieren, was ihm persönlich wichtig ist: Hübsche Frauen, schnelle Autos, sein Land und die Männer und Frauen in Uniform. Warum soll ein Film eines Regisseurs auch nicht persönlich sein? Warum soll ich mich in meiner Haltung oder meinen Überzeugungen zurückhalten, wenn mir ein Millionenpublikum den Rücken stärkt? Ich bin ich, und Du bist Du, diesem Motto ist Bay in bisher jedem seiner Filme treu geblieben. Leistung heißt sein Prinzip, denn nichts ist umsonst: weder die hübsche Frau, noch der Sportwagen, noch die Freiheit. Und wenn Bay selbst nichts dafür tun kann – beispielsweise für die Freiheit, wobei er dafür ja wiederum seine Filme hat – , dann ist er jenen wenigstens dankbar, die sich dieser Aufgabe angenommen haben. Und das sind die einfachen Männer, die Mut beweisen, nicht etwa Staatsmänner oder Geheimdienstchefs, die auch hier wieder ihr Fett wegbekommen (Obama interessiert sich beispielsweise gar nicht erst für Heldentaten). Bays politische Weltsicht wird hier einmal mehr nicht nur durch seine Optik artikuliert, sondern durch kleine Versatzstücke, die manchmal nur Sekunden lang sind, die Richtung aber klar vorgeben. Deutlicher – aber dann wiederum auf visueller Ebene – wird er mit der in jederlei Hinsicht gigantischen Exposition, die nicht nur neue Maßstäbe hinsichtlich der Effekte setzt, sondern in zirka 20 Minuten eine alternative Welt erschafft, in die man sich voller Vorfreude hineinbegibt.

Bay ist mit der zweiten Fortsetzung ein riesiger Qualitätssprung gegenüber dem Vorgänger gelungen, denn vieles, was er im zweiten Teil auf die Spitze trieb, unterlässt er hier entweder ganz oder schraubt es auf ein notwendiges Minimum herunter. So sind die Kampfszenen nicht nur deutlich übersichtlicher choreografiert, sondern die bisher härtesten. Es wird gestorben, teilweise sogar recht brutal und zynisch – auf beiden Seiten. Ferner konzentriert sich Bay nicht nur auf den Kampf zwischen Autobots und Decepticons, sondern fügt auch einen menschlichen Gegenspieler hinzu, der dem ganzen sehr gut tut. Die ganze Story wird somit nicht nur dramaturgisch aufgewertet, sondern lässt bisweilen auch Emotionen zu, die durchaus zu fesseln wissen. Dass das apokalyptische Chicago dabei nicht von ungefähr an New Yorks 9/11 erinnert, ist nur konsequent. Sowieso ist Transformers: Dark of the Moon der dunkelste und bedrückendste Teil der Trilogie, was an Bays Ökonomie liegt, denn er verzichtet nicht nur auf Nebenschaulätze und Subplots, sondern schraubt auch vieles von dem zurück, was in den ersten beiden Teilen oftmals kritisiert wurde, namentlich der Militarismus. Dieser beschränkt sich auf wenige Szenen (am Ende darf natürlich trotzdem nicht das Sternenbanner fehlen), seinen Fetisch für die Militärmaschinerie tendiert sogar gegen Null.

Das hat Bay aber auch nicht mehr nötig, denn es sind die angesprochenen kurzen Momente, ja sogar einzelne Shots, die Bay lediglich dazu benötigt, um seine Botschaft an den Mann respektive die Frau zu bringen. Wie gesagt, subtil war Bay noch nie, aber ehrlich. Diese wenigen Shots sehen dafür dann aber auch umso besser aus (bei einigen wollte ich fast aus meinem Sitz aufspringen), denn Transformers: Dark of the Moon ist nach Camerons Avatar der Film, der die 3D-Technik am bisher besten und vor allem eindrucksvollsten nutzt. Mit den FX, die erneut von ILM kommen, setzt der Film ohnehin neue Maßstäbe und ist in technischer Hinsicht ganz klar Bays Magnum Opus. Es macht letztlich alles so viel Spaß, weil Bay sich von gewohnten Mustern loslöst und seine Markenzeichen dennoch einbringt. Jeden, der Bay kennt, sollte diese Tatsache aber nicht allzu sehr verwundern, denn wenn es einen Mann in Hollywood gibt, der technisch keine halben Sachen macht, dann ist es wohl Michael Bay. Und ich kann nach Transformers: Dark of the Moon nur einmal mehr sagen, dass ich mich an der Optik Bays einfach nicht satt sehen kann. Michael Bay ist letztlich auch nur ein großer kleiner Junge – aber er steht wenigstens dazu. (8.5/10)

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Heute habe ich ein ganz besonderes Paket aus den Staaten bekommen – von Paramount direkt aus Los Angeles. Als ich das Paket aufmache blickt mich erst einmal ein purer Anachronismus an: Es handelt sich nämlich um eine Schachtel Super-8-Film mit einer Länge von 15m, die bereits im Dezember 1977 abgelaufen ist. Ich mache das gute Stück auf und erblicke eine sehr nette Promotion für J.J. Abrams' neues 'Geheimprojekt' Super 8, der am 04. August in Deutschland anläuft, in den USA aber bereits am 10. Juni startet. Neben der Rolle Super-8-Film finden sich dann auch noch ein USB-Stick und ein Hinweiszettel, der mich dazu auffordert einen Code an eine E-Mail-Adresse zu senden, der es ermöglicht einen advanced look zu Super 8 zu bekommen. Auf dem USB-Stick selbst befindet sich ein viersekündiger Clip namens EX_1A_21-23.mov, den ich für Euch bei YouTube hochgeladen habe.

Den Code habe ich natürlich auch gleich per Mail rausgeschickt, heraus kam bisher aber noch nichts. Womöglich müssen erst alle Pakete/Clips freigeschaltet werden, wie auch die amerikanischen Kollegen bei /Film vermuten. Sehr feine Aktion jedenfalls, die Paramount sich hier marketingtechnisch ausgedacht hat. Und ich bedanke mich auch gleichzeitig, bin ich doch anscheinend der einzige deutsche Blogger, der dieses Paket bekommen hat (selbst in den USA bekamen es nur die ganz großen Blogs wie eben /Film). Mehr Bilder der Verpackung und des Inhaltes habe ich übrigens bei Equilibrium auf Facebook hochgeladen, für alle, die interessiert sind und ein weiteres Puzzleteil im Fall Super 8 suchen. Wer weitere Hinweise hat, was das Puzzle zusammengesetzt ergibt, der darf natürlich gerne auch kommentieren. Vielleicht ist es aber auch besser, wenn alles relativ im Dunkel bleibt, denn nur so hat ja schließlich auch Cloverfield Spaß gemacht.

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Vor einigen Tagen geisterte ja bereits die Beschreibung des ersten Trailer zu Michael Bays Transformers: Dark of the Moon durchs Netz. Heute ist der Trailer nun offiziell erschienen (480p/720p/1080p) und er hinterlässt nicht gerade Eindruck – erst recht nicht, wenn ich an den ersten Trailer zum ersten Teil denke. Aber hier ist ja auch noch nichts vom eigentlichen Geschehen zu sehen, weshalb ich zuversichtlich bin, dass Bay auch dieses mal wieder seine Fetische bedient und eine gigantische Materialschlacht abliefert. Start ist am 01. Juli 2011.

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Fast zehn Jahre ist es nun her, dass Tom Hanks und Steven Spielberg sich Band of Brothers, einer 10-teiligen Miniserie dem 2. Weltkrieg, angenommen haben. Die für HBO produzierte Serie setze neue Maßstäbe in Sachen Fernsehserie, nicht nur des Budgets wegen, das bei geschätzten 125 Millionen Dollar lag. Über einen Zeitraum von mehr als zehn Stunden folgte man jungen Soldaten, die für die Befreiung Europas kämpften, starben und sich gegenseitig Brüder waren. Keine Doku und kein Spielfilm konnten zuvor mit solchen Möglichkeiten den Krieg filmisch verarbeiten und veranschaulichen. Im Laufe der zehn Folgen begleitete man die Einheit junger GIs vom Kriegseintritt der USA, über die Landung in der Normandie, bis hin zur Entdeckung der Konzentrationslager. Nach diesem Zeitraum fanden sich dann nicht nur die Soldaten mit jeder Menge Unmenschlichkeit, viel Leid, aber auch schönen Momenten konfrontiert, sondern auch der Zuschauer. Es ist die Art und Weise, wie Spielberg und Hanks ihre Serie erzählen, damit sie auch beim Zuschauer eine Art Katharsis eintritt.

Band of Brothers basiert auf Büchern, Tagebucheinträgen und Interviews von Veteranen, die in Europa an vorderster Front gekämpft haben. Jeder der Protagonisten in der Serie basiert also auf einer Person, die wirklich dabei war und alles miterlebt hat. Die teilweise dokumentarisch anmutenden Sequenzen werden mit Interviewauszügen angereichert, die mal vor und mal nach der Episode zu sehen sind – ein stilistisches Mittel, das der Authentizität, aber auch der emotionalen Wirkung durchaus zuträglich ist. 2010, zum 65-jährigen Jubiläum des Kriegsendes, nehmen sich Hanks, Spielberg und Goetzman erneut dem 2. Weltkrieg an, nur um dieses Mal aber die andere Seite des Krieges zu zeigen – eine Seite, die weitaus weniger bekannt und medial verarbeitet ist als jene des Schauplatzes in Europa. The Pacific wirft nun einen Blick auf den Pazifikkrieg, genauer gesagt auf den Krieg zwischen dem japanischen Kaiserreich und den USA, der mit dem Angriff auf Pearl Harbor im Jahre 1942 begann. The Pacific nimmt sich dieses Ereignis als Startpunkt, auch wenn vom Angriff selbst nichts zu sehen ist. Im Dezember 1942 ist das ganze Land aber in Alarmbereitschaft, unzählige junge Erwachsene melden sich freiwillig, um den japanischen Erstschlag zu vergelten.

Von hier an folgen wir nun verschiedenen Einheiten und Protagonisten quer durch den Pazifik. Es geht von Guadalcanal nach Peleliu, Insel um Insel kämpfen sich die Marines tiefer in japanisches Territorium. Die Serie findet dabei stets eine ausgewogene Mischung zwischen Schlachtszenen, Handlungsszenen und ruhigeren Momenten. Wie bei Band of Brothers liegt auch hier ein Fokus auf der Beziehung zwischen den Männern, deren Gruppe heterogener kaum sein könnte – und dennoch ist es der gemeinsame Auftrag, der sie zusammenschweißt. Neu hingegen ist jedoch, dass The Pacific im Gegensatz zu seinem Vorgänger auch einen Schwerpunkt auf die Familie legt. Was macht der Krieg mit den Familien an der Heimatfront? Und vor allem: Was stellt er mit dem (meist sehr jungen) Individuum an? The Pacific veranschaulicht dies eindrucksvoll durch die Figur des Sergeant John Basilone (Jon Seda), der für seine Taten auf Guadalcanal mit der Medal of Honor ausgezeichnet wird und fortan eine Tour durch die Staaten startet, bei der er für Kriegsanleihen werben soll. Die ganze Sache wird ihm aber immer mehr zum Dorn im Auge, da er mit dem Druck ein Held und Star zu sein nicht fertig wird. Er kehrt schließlich zu seinen Kameraden zurück, um auf Iwo Jima zu kämpfen.

Es ist nur einer von vielen Nebenplots, die die Miniserie auszeichnen und deutlich machen, wie sehr die Produktion auch von seinen talentierten Jungdarstellern profitiert. Wie bereits Band of Brothers kann auch The Pacific keinerlei Stars nachweisen, was sich als Glücksgriff herausstellt. Es ist vor allem die Authentizität, die dadurch eine Erhöhung findet und uns einmal mehr zeigt, dass es gewöhnliche Männer waren, die hier gekämpft haben. So spricht die Serie – und das ist ganz besonders hervorzuheben – beispielsweise auch Themen wie das Posttraumatische-Belastungssyndrom an, das einen der Protagonisten nach seiner Heimkehr fest im Griff hat. Es ist einmal mehr die Familie, die hier gefragt ist, die ihren Beitrag leisten muss – auch nach offiziellem Kriegsende. Es ist ein Mann im besten Alter. Studieren möchte er, aber das Marine Corps hat ihm außer dem Töten keine weiteren Qualifikationen beigebracht, so bleibt dieses Vorhaben vorerst ein Traum. Sowieso braucht er eine Auszeit – wie lange? Das weiß wohl niemand, nicht einmal sein Vater, der Arzt ist. Auch jene Kameraden, die zuhause ihr Glück finden, sei es das berufliche oder das private, sie alle bleiben gezeichnet von dem, was sie im Pazifik erlebt und durchgemacht haben.

Dieses besteht in The Pacific primär aus kleinen Schlachten, die immer wieder durch lange Pausen, in denen man praktisch auf den Feind warten muss, unterbrochen werden. Es ist wohl gerade solch eine Erfahrung, die schwer auf die Seele und Moral der Truppe schlägt. Und wenn es dann mal zum Kampf kommt, dann ist dieser meist kurz, dafür aber äußerst blutig und verlustreich. The Pacific schönt vor allem in den Schlachtszenen nichts, im Gegenteil, manche Einstellung hat man so auch noch in keinem Kriegsfilm gesehen. Dabei sind es nicht unbedingt explizite Tötungsszenen, sondern vielmehr humane oder inhumane Momente, die den Zuschauer meist unerwartet und unvorbereitet treffen. Die Japaner sind zwar meist nur Kanonenfutter, aber wer mit der japanischen Kultur etwas vertraut ist, der versteht, warum sie gerade als solches auf den Zuschauer wirken. In anderen Momenten wird dieser andere, fremden Kultur aber auch fast schon eine leichte Bewunderung eingeräumt, beispielsweise dann, wenn sie einen Kampfgeist offenbaren, der selbst die US-Soldaten trotz ihres Hasses zum Staunen bringt. Aufgabe ist für den japanischen Soldaten undenkbar, auch wenn seine Taten gerade deshalb so barbarisch wirken (natürlich werden auch die Kamikaze angesprochen).

Trotz all der Gräueltaten, die die beiden Seiten gegenseitig aneinander begehen, gibt es auch in The Pacific immer wieder Momente, die von einer unglaublichen Humanität geprägt sind und manchmal sogar so etwas wie Verständnis für die Gegenseite offenbaren. Auch wenn es für die meisten ein Schlachten bleibt, viele Soldaten lernen auch zu differenzieren. Dies ist wohl auch dem wunderschönen Setting geschuldet, das die Soldaten stets zu schätzen wissen. War es in Band of Brothers noch das urbane und triste Europa mit all seinen Häuserkämpfen, das die Soldaten zu überstehen hatten, ist es hier nun die wundervolle Natur der Pazifikinseln. The Pacific wartet mit Bildern auf, die bisweilen fast schon zu schön sind, um wahr zu sein. Man will es oftmals selbst kaum glauben, dass in diesem Naturschauspiel die Hölle tobt. Irgendwo zwischen Paradies und Apokalypse bewegen sich die Bilder in The Pacific dann auch – Bilder, die man nicht nur ob ihrer Komposition so noch in keiner Produktion gesehen hat. Wenn es nicht die Landschaft ist, die begeistert, dann sind es die Schlachtszenen, die man so noch nicht gesehen hat und die neue Maßstäbe setzen. Man weiß nicht, wo man hinschauen soll, überall scheint ein neuer Krieg zu toben -. es ist fast schon paradox, aber selten war Krieg so schrecklich und schön zugleich.

Es ist wohl noch das buchstäblich natürlichste Pathos, dessen sich die Produzenten und Regisseure bedienen, denn auch dieses wird hier natürlich wieder groß geschrieben. Es ist die gleiche Ideologie wie bei Band of Brothers, die die Serie transportiert. Werte wie Kameradschaft, Ehre und Patriotismus werden groß geschrieben, auch wenn dies etwas differenzierter funktioniert als noch beim Quasi-Vorgänger. Hans Zimmer, Blake Neely und Geoff Zanelli liefern mit ihrer musikalischen Untermalung dabei ein Meisterwerk ab, das die melancholischen Bilder perfekt unterstreicht und das Pathos zusätzlich verstärkt. Spätestens wenn ihre Motive die Texttafeln begleiten, die uns über den weiteren Werdegang eines jeden Soldaten informieren, wird uns bewusst, dass dies ein ganz reales Pathos ist, denn: Ist es nicht ehrwürdig und beeindruckend, was diese jungen Männer geleistet haben, obwohl der Untertitel der Serie richtig anmerkt: 'Hell was an ocean away'? Es sind vor allem einmal mehr die Mannschaften, die, die den Krieg erlebt haben, denen die Serie ein Denkmal setzen will, das ist immer wieder zwischen den Zeilen zu lesen. Und genau das gelingt The Pacific auch – es ist nicht nur ein Mammutprojekt, sondern allen voran ein würdiges filmisches Denkmal für den Krieg im Pazifik.

Die Blu-ray, die seit 26. November im Handel erhältlich ist (Amazon-Partnerlink) und in einer schicken Tin-Box daherkommt (die leider etwas kleiner ist als jene zu Band of Brothers), wird der Qualität der Serie absolut gerecht. Mehr als das sogar, denn die apokalyptisch-schönen Bilder kommen erst mit der Blu-ray so richtig zur Geltung. Schärfe- und Detailgrad lassen keine Wünsche offen, vor allem bei Naturaufnahmen ist The Pacific absolutes Referenzmaterial. Lediglich in dunkleren Szenen und Nachtszenen könnte der Schwarzwert etwas besser sein. Der Ton der Scheiben steht der Bildqualität in nichts nach. Besondern in den Schlachtszenen ist auf jedem Kanal etwas los, und auch der Subwoofer ist so gut wie immer im Einsatz. Höhen und Tiefen sind dabei fein abgestimmt, Ungereimtheiten gibt es schlichtweg nicht. Dass solch ein Projekt natürlich genügend Extras produziert, versteht sich von selbst. Egal ob historische Landkarten, Bild-in-Bild-Einblendungen oder Interviews mit Historikern – die Extras sorgen für noch mehr Authentizität und zeigen, welche Arbeit und Recherche in dieser Miniserie steckt. The Pacific zählt somit sicherlich zu den Veröffentlichungen des Jahres. (10/10)

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Einer der interessantesten Aspekte, wenn es um Michael Bays filmisches Å’uvre geht, ist sicherlich sein Hang zur Technik und deren Hochglanzinszenierung. Viele sprechen in dieser Hinsicht von einem Fetisch, was angesichts seines jüngsten Filmes, Transformers: Revenge of the Fallen, sogar durchaus zutreffen mag. Den interessantesten Aspekt, abseits von der Sexualisierung des Plots samt seiner Infantilität (die m.E. sowieso Spielberg zuzuschreiben ist), bildet Bays Zusammenarbeit mit den Streitkräften und deren engsten Verbündeten, den Rüstungsfirmen. Es verwundet nicht, wenn man im Abspann eine ellenlange Liste von beteiligten Rüstungsfirmen liest, die natürlich die tüchtigsten und größten in diesem Bereich aufführt. Neben dem obligatorischen Dank an das beteiligte Militärpersonal (in Form von Beratern, Waffenexperten, etc.), gibt es auch einen speziellen Dank an 'All Men and Women of the U.S. Armed Forces'.

Das ist nicht etwa nur ein feiner Schachzug Bays an seine Helfer, sondern auch ein deutliches Zeichen seiner Ideologie, die nicht nur hier, sondern in allen seinen Filmen immer wieder zum Vorschein kommt. Ähnlich wie im ersten Teil manifestiert sich dies nicht nur in der heroischen Darstellung der Streitkräfteangehörigen, sondern auch in Form des karikierten Politikers. Die rechte Hand von Präsident Obama (der einige Male wörtlich genannt wird) ist es hier, die – wie bereits der Präsident aus dem Ersten (eine Karikatur George W. Bushs) selbst – nicht nur lächerlich daherkommt, sondern die auch verspottet wird. Dies zeigt sich nicht nur in seiner Ausdrucksweise ("You are paid to fight, not to talk, soldier!"), sondern auch in Bays Darstellung selbiger. Da wird von langer Hand geplant, dass die Politik buchstäblich über Bord geworfen wird, denn am Ende weiß ja doch der Soldat am besten, was im Krieg zu tun ist.

Ein bekanntes Muster, schaut man sich einmal beispielsweise The Rock an, der ein ähnliches Szenario spinnt. Auch wenn die Gefahr vom Soldaten selbst ausgeht – einem äußerst ehrenvollen zudem -, sind Zivilisten dennoch völlig hilflos ohne das Militär (ohne zu weit abschweifen zu wollen, ist es das Militär, welches das Wissen und die Technik zur 'Lösung' des Problems hat; ferner sind es die Militärs, die sich selbst in der Krise noch ehrenvoll begrüßen und ansprechen – schließlich schweißt der gemeinsame Dienst [hier: Panama, Desert Storm] zusammen; der Höhepunkt ist dabei sicherlich der Dialog zwischen Michael Biehns Commander Anderson und Ed Harris' General Hummel [vom Drehbuchschnitzer des Steines mal ganz abgesehen]). Das verblüffende ist dabei sicherlich, dass der Politiker mit dem, was er da von sich gab, gar nicht unbedingt so falsch lag. Doch wenn Kameraden in Gefahr sind, dann ist jedweder Auftrag (hier: der Rückzug) egal, es gilt der Kamerad, der in Gefahr ist und der Unterstützung braucht.

Da ist es auch egal, wenn man dafür ausländisches Hoheitsgebiet penetriert und jegliche kulturelle Errungenschaft außer Acht lässt (sowieso ist dieser ein ebenfalls interessanter Aspekt, denn Bay zerstört nicht nur Pyramiden, sondern auch Bibliotheken und andere Kulturgüter). Schließlich geht es aber auch um das Fortbestehen der Menschheit und ihrem Planeten. Bei Bay heiligt der Zweck stets die Mittel, er fragt auch gar nicht erst, wie einst Robert McNamara "How much evil must we do in order to good?", sondern lässt die Militärmaschinerie heißlaufen. Diese fährt dann auch alles auf, was gut und teuer ist. Durfte Lockheed Martin im Ersten noch stolz die F-22 präsentieren, steht ihr die gute alte F-16 im Zweiten zur Seite. Diese fliegen natürlich stets in Formation und von der Sonne buchstäblich lackiert. Erstmals darf sogar die B-1 (Stückpreis 200 Millionen Dollar) mitspielen, denn schließlich sind die Decepticons zahlreicher geworden.

Auch die Streitkräfte sind zahlreicher geworden, zumindest ihre Kampfkraft. Konnten sie im ersten Teil noch kaum etwas anrichten, kämpfen sie hier Seite an Seite mit den Autobots (die wiederum auch stets betonten, dass sie Soldaten seien) und können deutlich mehr Schaden anrichten als noch zwei Jahre zuvor. Bay fährt in der letzten halben Stunde also fast alles auf, was die (Teil-)Streitkräfte zu bieten haben: Flugzeuträgerverbände, Kreuzer, Panzer, Predatordrohnen und natürlich auch Helikopter, die meist jedoch dran glauben müssen (dekonstruiert Bay hier etwa seinen eigenen Mythos?). Diese Zurschaustellung von militärischer Überlegenheit – sowohl in der Filmwelt, als auch im realen Leben – befriedigt nicht nur Bays Technikfetisch und veranschaulicht dem Rezipienten zudem seine Weltsicht, sondern hat ganz klar auch ökonomische Vorteile.

Wohingegen viele Filmproduktionen teures Gerät leihen müssen, stellen es Bay die Streitkräfte zur Verfügung, dass er sie laut Aussagen stets in einem äußerst positiven Licht hat erscheinen lassen. Des Weiteren dürfte es natürlich auch die Rekrutierungszahlen ansteigen lassen, ist die Zielgruppe des Ganzen doch schließlich männlich und in wenigen Jahren im wehrfähigen Alter. Mehr Fliegen kann man also nicht mit einer Klappe schlagen. Auch das Pathos, dessen sich Bay immer wieder gerne bedient, verlangt nach dem Militär. Seine enge Verzahnung mit dem Patriotismus, der wiederum mit dem inszenatorischen Pathos einher geht, ist omnipräsent. Bay liebt es seine Figuren in Zeitlupe laut schreien zu lassen, um Kameraden – ja, auch Sam ist einer, man denke nur an Major Lennox' Worte "You're a soldier now!" – zu trauern und dabei den Krieg stets im Hintergrund laufen zu lassen.

Krieg, das ist in Bays Kosmos ein einziges großes Indianer-und-Cowboy-Spiel, das einer gewissen Romantik nicht entsagt und in der Mise-en-scène auch genau so eingefangen wird – in Zeitlupe, meist ohne Dialoge, aber mit lauter orchestraler Musik, die das Ganze zusätzlich verklärt und romantisiert. Sowieso zeigt sich Bays Sicht auf die Welt buchstäblich an der Oberfläche – da sitzen in der Vorlesung nur Models, Megan Fox schraubt am Motorrad rum und beschmutzt sich dabei mit Öl und Eltern sind gefangen zwischen Fortschritt und Reaktion. Das macht Michael Bay sicherlich zu einer der interessantesten Personen Hollywoods, egal, wie man das alles nun werten mag.

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Nachdem er bereits vor wenigen Tagen abgefilmt auf YouTube erschien, ist der finale Trailer zu Michael Bays Transformers: Revenge of the Fallen nun auch in feinem HD verfügbar (480p/720p/1080p). Im Gegensatz zum letzten, exklusiven Clip bringt mich das glücklicherweise auch wieder in Stimmung – erstaunlich, was Bild und Ton in guter Qualität bei solch einer Art Film doch alles ausmachen.

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Der erste Trailer zu Transformers: Revenge of the Fallen hat mich ja nicht gerade umgehauen, denn Bay respektive Spielberg scheint auch dieses Mal wieder auf infantilen Humor zu setzen. Ein exklusiver Clip (FLV, HD/YouTube), den Bay bei der Verleihung der ShoWest Awards präsentierte, macht dies nur noch deutlicher – ein weinender Bumblebee, der auch noch Tränenflüssigkeit ausscheidet? Da würde ich eigentlich sagen 'do not want', wenn am Ende nicht doch wieder zu Helikoptern und Militär geschnitten würde. Ich freue mich jedenfalls lange nicht so wie auf den Ersten …

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Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull
(Steven Spielberg, USA 2008)
Kino

Fast 20 Jahre ist es her, dass der wohl bekannteste Mann mit Hut und Peitsche auf der Leinwand zu sehen war. Wenn Hollywood uns die letzten Jahre jedoch etwas gezeigt hat, dann, dass es für kein Held zu alt sein kann, um noch einmal auf die große Leinwand zurückzukehren. Eine Trilogie muss noch lange keine Trilogie bleiben, denn wieso sollte man es bei drei Teilen einer Serie lassen, wenn man auch noch einen vierten aus dem Hut (ha-ha!) zaubern kann? Klar freuen sich die Fans über so etwas, und dennoch muss man sich die Frage stellen, ob ein Sequel, wie es ja so schön heißt, manchmal wirklich von Nöten ist und ob es dem bisherigen Franchise nicht mehr schadet als es ihm nützt. Im Falle von The Kingdom of the Crystal Skull fällt die Antwort nicht ganz so leicht, wie ich es mir wünschen würde. So war ich auch nicht weiter betrübt, dass es in Stuttgart keine Pressevorführung zum Film gab, denn auch wenn ich ihn am Starttag gesehen habe, so hätte ich dennoch weiter warten können, hätten die Umstände den heutigen Termin nicht erlaubt. Das Franchise war für mich nie eines von übergroßer Bedeutung, denn dafür ist jenes von Lucas doch uneinholbar – aber Spielberg bewies damit endgültig, dass er das Blockbusterkino so beherrscht, wie kaum ein anderer.

Das zeigt Spielberg hier einmal mehr, denn das vierte installment der Abenteuerserie strotz nur so vor physikloser Action, vor humorvollen Dialogen und Klischeebeladenen Bösewichtern. Klingt alles nach einem typischen Abenteuer mit Indy (Harrison Ford)? Nein, leider nicht. Generell macht Spielberg fast alles richtig: Das Tempo ist Schwindel erregend, die Action fein dosiert und schön laut, die Dialoge amüsant und spitzfindig und der Cast bis auf John Hurt ein homogenes Ganzes. Am meisten kann Spielberg aber mit der prächtigen Optik und bis zu einem gewissen Grad sogar mit der Story punkten. Alles sieht herrlich nach 50's aus – LaBeouf kämt sich permanent seine Matte, die Musik stimmt und die 'Rote Bedrohung' wird schön aufs Korn genommen -, sodass man nicht von ungefähr ständig an diverse Invasions- und Monsterfilme aus dieser Periode denkt. Was damals für die Bedrohung aus dem Sowjetblock stand, waren große Monster, geheimnisvolle Viren oder Aliens. Für was sich Spielberg entscheidet, will ich an dieser Stelle jedoch nicht verraten, nur so viel: Selten war der Einsatz dieser lächerlicher. Nicht der einzige, wenn auch der größte, Fehler, den Spielberg hier begeht.

Wirkt das Logo Paramounts, schön im Retrostil gehalten, zu Beginn noch herrlich komisch, wenn es in einen Erdmännchenhügel übergeblendet wird, so kommt kurze Zeit später schon wieder die Ernüchterung. Spielberg setzt in Sachen Humor nämlich häufig auf Tiere, die nicht nur animiert sind (so wirken sie zumindest), sondern auch alles andere als lustig sind. Nicht etwa, dass Tiere in der Reihe nichts zu suchen hätten, nein, nur hat Slapstick hier nichts zu suchen – und genau dieser findet sich in genügend dieser Szenen. So etwas ist nicht Teil der Reihe, so etwas ist schlicht und ergreifend fehl am Platz. Indiana Jones lebt von seinem Dialoghumor und seiner charmanten Situationskomik, nicht aber von Slapstick, die bisweilen wie aus einem Film aus der Schmiede Zucker-Abrams-Zucker wirkt. Ist das gerade noch so zu verkraften, schießt Spielberg dann spätestens mit der Entsagung jeglicher physikalischer Kräfte den Vogel ab. Wie anfangs erwähnt, wäre das nicht weiter schlimm, würde es sich auf das Gewohnte beschränken, nicht aber, wenn Indy und Co. drei Wasserfälle im Auto hinunterfallen und bis auf nasse Klamotten nichts zu bemängeln haben (vor allem sitzen sie noch immer im Auto). War es in der bisherigen Serie stets das religiös-mystische, dem Dr. Jones auf den Fersen war, so ist es das hier auch, nur ist das, was dahinter steckt ohne Spoilern zu wollen deutlich – sagen wir – anders. Leider im negativen Sinne…

So gefällt die erste Hälfte dann auch deutlich besser – inklusive oft kritisiertem Einsatz eines Kühlschrankes -, denn hier kommt nicht nur viel mehr Serienfeeling auf (ja, das findet sich hier glücklicherweise zuhauf) – auch Williams' Score trägt dazu einmal mehr signifikant bei -, sondern auch ein Wiedersehen mit alten und neuen Bekannten. Dass Ford älter geworden ist, sieht man ihm kaum an, denn dafür macht er seine Sache immer noch viel zu gut, wie auch sein Filmsohn Shia LaBeouf, der das Franchise nicht nur laut Internetgerüchten fortführen darf, sondern auch laut Filmende. Dieses ist zwar Hollywoodtypisch wie wohl nur wenige andere Spielbergs geworden, aber auch wenn ich nur einen oder zwei TV-Filme gesehen habe, so war ich dennoch von Young Indiana Jones angetan. Sicher ist aber auch, dass es einen weiteren Eintrag im Indiana Jones-Universum nicht bedarf. Ein schlechter Film ist The Kingdom of the Crystal Skull nicht, auch in Hinsicht auf die bisherigen Teile, nur ist er nicht nur unnötig, sondern ist dem Hype auch alles andere als gerecht geworden. Dann fast lieber noch mal Star Wars: Episode I – The Phantom Menace. (7/10)

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